Кинетическое искусство и оп-арт /kinetic art and op-art

от /греч./ κίνηση, kinesis - движение (1955-1970-е)

/англ./ optical art - оптическое искусство

Кинетическое искусство - направление в современном искусстве, обыгрывающее эффекты реального движения всего произведения или отдельных его составляющих. Объекты представляют собой движущиеся установки, производящие при перемещении интересные сочетания света и тени, иногда звучащие. Кинетическое искусство зародилось в 20-30-х гг. ХХ в., его представители хотели преодолеть традиционную статичность скульптуры, вписать её в окружающую среду. Опыты создания динамической пластики встречаются в футуризме, дадаизме, Баухаузе и русском конструктивизме. Окончательно течение оформилось в 60-е гг. Теоретики кинетического искусства отдавали предпочтение движению, как средству противостояния бесконечному повторению художественных форм, чреватому "исчерпанностью" искусства, "усталостью" творчества. Их обновление связывается с новыми художественными материалами. Николас Шёффер выдвигает принципы пространственно-свето-хроно-динамизма, как основы кинетического искусства.

Pol Bury "Fontaine", 1978

Оп-арт - одна из разновидностей кинетического искусства. Основоположник - Виктор Вазарели. В 1955 г. в Париже оп-арт экспонировала в своей галерее Denis Rene, но всемирную известность оп-арт получил в 1965 году после Нью-Йоркской выставки "Чувствительный глаз" (The Responsive Eye) в музее современного искусства. Оп-арт стремится к достижению оптической иллюзии движения неподвижного художественного объекта путем психофизиологического воздействия на зрителей, их активизации. В отличие от кинетического искусства, произведение и зритель неподвижны. Искомый оптический эффект строится на контрапункте напряженного художественного восприятия, требующего концентрации зрительского внимания, и фактической неподвижности артефакта. Эстетическая специфика Оп-арта, заключается в замене классической перспективы многофокусным видением виртуального оптического пространства. Движение в нем всегда виртуально, а не реально: визуализируется сама его идея. Создается иллюзия "ожившего пространства", плоскостное восприятие картины разрушается.

Виктор Вазарели "Зебра", 1950

Имп-арт (англ. imp-art от impossible — невозможный и art — искусство) — самостоятельное направление в оп-арте, нацеленное на изображение невозможных фигур. Представитель этого направления - Мауриц Корнелиус Эшер (Maurits Cornelis Escher).

Мауриц Корнелиус Эшер "Из ночи в день, изо дня в ночь"

Широкое применение методов математического программирования трактуется как предпосылка рождения нового типа творца — художника-инженера, стремящегося воплотить в искусстве движение, как таковое, при помощи мобилей, механических приспособлений, оптических феноменов. Широко используются прозрачные материалы, электромоторы, рычаги, пульты управления и т.д. Тщательно сконструированные устройства из металла, стекла или других материалов, соединённые с мигающими световыми устройствами, получили название "мобилей". Ощущение движения могло зависеть от перемещения зрителя в пространстве, но могло сводиться к возможности зрителя манипулировать предметами. "Запрещается не участвовать, запрещается не трогать, запрещается не ломать" - вот девиз группы "Грав" (группы исследования визуального искусства). Художники предпочитали работать командой. Склонность коллектива к аналитическому планированию сближала с серийным производством и дизайном, отчего в Италии искусство такого рода получило название программного искусства и "открытого произведения". Последнее У.Эко в 1962 году определил как "форму, составленную из "множества" элементов так, что зритель может самостоятельно устанавливать между ними связи, выбирая свой вариант интерпретации."

Художники, посвятившие себя кинетическому искусству и оп-арту, задаются различными эстетическими целями. Жан Тингели стремится оживить, гуманизировать машины, борясь с тоской индустриального мира; Пол Бьюри обыгрывает замедленное движение; Хулио Ле Парк использует феномены прозрачности, игры света и теней; Николас Шёффер достигает полисенсорности воздействия; движущиеся магнитные скульптуры Такиса создают иллюзию вечного движения.

Художники: Яааков Агам/Яаков Гипштейн (Yaacov Agam), Хулио Ле Парк (Julio Le Parc), Жан Тэнгли (Тингели) (Jean Tinguely), Николас Шёффер (Nicolas Schöffer), Пол Бьюри (Pol Bury), Александр Калдер (Alexander Calder), Дэвид Медалла (David Medalla), Бриджит Райли (Bridget Louise Riley), Хесус Рафаэль Сото (Jesus Rafael Soto), Виктор Вазарели (Victor Vasarely).

Группы: "Зеро", Дюссельдорф (Х.Мак, О.Пенье, Г.Юккер); "Экипо 57", Париж (А.Дуарте, Ж.Дуар, Х.Куенка, Х.Серрано, А.Ибаролла); "Т", Милан (Дж.Анчески, Д.Бориани, Дж.Коломбо, Дж.Де Веки, Дж Вариско); "Н", Падуя (А.Биази, Э.Киджо, Т.Коста, Э.Ланди, М.Массирони); "Грав", Париж (И.Ле Парк, Ф.Морейе).

Манифест: В.Вазарели "Желтый манифест", 1955.

Выставки: Галерея Рене "Движение", Париж 1955; Лозанна Кантональный музей "Движение в современном искусстве"; "Новая тенденция" Загреб, 1961; Музей современного искусства, N-Y, 1965. Тексты: В.Вазарели "Новое искусство, новые идеи, новая техника", 1954; У.Эко "Открытое произведение", 1962.

См. также статьи: Абстрактное искусство, Амбьенте, Монохромная живопись.

Описание некоторых произведений:

Виктор Вазарели "Биадан", 1959. Холст, акрил. Венгрия (город Печ), Музей Вазарели. Биадан - типичный пример оптико-геометрических экспериментов Вазарели. Оптический иллюзионизм работы в соответствии с принципами гештальт теории, создает полное впечатление движения. Вазарели утверждает необходимость широкого использования в искусстве, многократно повторяющихся структур. Его графические композиции принесли успех оптическому искусству. Он писал: "Если до сего времени пластическая идея произведения связывалась в первую очередь с мастерством и мифом "уникальности", теперь она в самой концепции и возможности Повторения, Умножения и Распространения. " В Биадане невозможно провести границу между фигурами и фоном, здесь достигнуто "пластическое единство", которое вынуждает сетчатку глаза бесконечно выбирать между черным и белым, негативом и позитивом.

Виктор Вазарели "Биадан", 1959

Отто Пиене "Licbraum (Световое пространство), 1962. Металлические элементы и электрические лампы. Дюсельдорф, Собрание Отто Пиене. Licbraum или Световые пространства - это ансамбль светящихся пластических объектов. Установленные в темном пространстве, они создают настоящую световую хореографию. Пластические объекты - это сферы и диски из перфорированного металла. Они подсвечиваются изнутри и приводятся в движение мотором, проецируя на стены и потолки лучи света. В этой световой фантасмагории, картина постоянно меняется, вовлекая в свое круговращение публику. Зрение остается преимущественным способом восприятия, но впечатление обогащается при передвижении зрителя в пространстве.